Музеи Лондона - галерея Тейт Модерн
За неполные пять дней в столице Великобритании я успел побывать, в том числе, в девяти музеях. Об одном из них - галерее Тейт Модерн - я бы и хотел рассказать в этом посте. Ну а чтобы не пугать людей полноценным искусством, рассказ будет разбавлен размышлизмами о меняющемся аритектурном облике города, ночными фотографиями, небольшим отклонением в сторону Пинк Флойд и любимой обложке диска, а также разговором об экономике, и тяжелыми думами о том, во что стоит вкладывать свои нелегко заработанные миллионы.
Галерея Тейт Модерн расположена в здании бывшей электростанции Bankside Power Station на южном берегу Темзы
Архитектор здания - сэр Джайлс Гилберт Скотт, который спроектировал также Ливерпульский собор (о нем будет отдельно), мост Ватерлоо, дизайн знаменитой красной телефонной будки, и, что куда более важно - Battersea Power Station - угольную электростанцию, которая прославилась после того, как появилась на обложке легендарного альбома Пинк Флойд Animals
Раньше я более дружелюбно относился к Флойдам - одной из любимых групп моей молодости - но в последнее время Уотерс реально заебал своими призывами ко всем музыкантам бойкотировать Израиль, и чувствую скоро мне придется в ответ бойкотировать их группу. Впрочем, может он помрет раньше, и избавит меня от нужды лицезреть в новостях его архимерзкую харю. Однако я малость отвлекся.
Электростанция из Баттерси появлялась и во многих других произведениях культуры - например, в фильме Битлз "На помощь" (Help!), культовом английском сериале "Доктор Кто" (Doctor Who), эпизоде Шерлока "Скандал в Белгравии", в британской версии фильма 1984, и даже в фильме про Бетмена "Темный Рыцарь" (Dark Knight). Первое же "публичное" появление электростанции в кино произошло еще в 1936 году в фильме Альфреда Хичкока "Саботаж". Как выяснилось Хичкок и тут очутился впереди планеты всей)
Возвращаясь к нашим делам - единственное условие, поставленное архитектору насчет Bankside Power Station - чтобы его дымоходная труба была ниже шпиля собора Св. Павла, расположенного напротив.
Про собор я рассказывать не буду - как-то не комильфо, но вот несколько фотографий покажу.
Все наверное знают, что в последние годы от собора св. Павла, находящегося на одном берегу, к галерее Тейт Модерн на другом берегу провели мост Миллениум (Millenium Bridge). Когда именно построили мост, надеюсь объяснять не надо)
Кстати, в прошлый мой визит в Лондоне (2003 год) этот мост вызвал у меня жуткую панику (я боюсь высоты, мостов, воды, людей, и вообще всего - типичный еврей в общем), но в этот визит все обошлось как-то более благополучно. Я вальяжно расхаживал себе по мосту, и даже сделал с него некоторое количество кадрофф, которые вам обьязательно продемонстрирую.
Вот такой сейчас вид с моста Миллениум на современный Лондон. В центре можно узреть Тауэрский мост, который я надеюсь в представлении не нуждается. Справа - The Shard или "Осколок". Самое высокое здание в Лондоне (306 метров), и до недавнего времени самое высокое здание в Европе (теперь пальму первенства держит башня Меркурий в Москве). Как и все небоскребы Лондона выглядит ужасно и не в тему вообще, особенно учитывая тот факт, что совсем неподалеку находится тысячелетний Тауэр. Строительство Осколка вызвало бурные споры, однако деньги победили, и теперь те, кто ходят в древнюю Белую Башню могут наблюдать хаотичность современного Сити не отходя от кассы.
Слева - еще несколько ужасных небоскребов. В центре - 122 Леденхолл Стрит, в народе прозваный "Сырная тёрка" (с юмором у англичан все в порядке - в отличие от чувства ландшафта). 225 метров, четвретый по высоте в Лондоне. Уродлив, как моя жизнь. Открылся как раз в дни моего пребывания в городе. Слева достраивается еще один урод, в народе известный как Воки-Токи (Рация). 160 метров, пятый по высоте небоскреб Лондона. Ужаснах, и я даже не буду рассказывать вам про знаменитый огурец (его, слава всем святым, на этих фотографиях не видно).
Я вообще не хотел здесь подымать эту тему - о современном Лондон-Сити будет отдельный пост - но похоже, что как и в случае с Нью-Йорком, никто всерьез не занимался планировкой этих мегаполисов. Как-то мы обсуждали этот вопрос с моим двоюродным братом, когда я был в Америке, и он сказал, что в никто не думал, как в Нью-Йорке одно здание будет выглядеть рядом с другим (в отличие, например, от Сан-Диего). Просто бухали все стили подряд, и теперь город выглядит абсолютно хаотично - http://lorien22.livejournal.com/227290.html. Такое же ощущение создается и в Лондоне. То тысячелетний Тауэр, или готическая церковь, а рядом - стеклянный небоскреб или кирпичная громадина. Иногд видишь целые улицы в одном стиле, но это большая редкость. Впрочем от очарования британской столицы это не отбавляет - Лондон берет другим.
Ну а мы все-же вернемся к высокому искусству и перейдем по мосту от собора св. Павла
К галерее Тейт Модерн. Все сказанное выше было лишь прелюдией - мне не раз в прошлом заявляли, что искусство людей утомляет, и что не надо быть слишком элитарным и высоколобым, посему я решил немножко и окрестностей показать и пообсуждать насущные вопросы. Но теперь доставайте подушки, ибо мы входим в музей!
К слову, здание угольной станции долгие годы было под угрозой сноса, пока его не превратили в самый знаменитый музей современного искусства в мире. В эти дни происходят большие перемены, и к старому зданию пристраивается новое ультрасовременное крыло.
Вот здесь проект видно чуть лучше - белое здание сразу за трубой. Выглядит неплохо, но в комплексе будет как и со всем новым Лондоном - абсолютно не в тему. Контраст старого и нового и полная неразбериха стилей в этом городе не работает, ИМХО.
Ну а теперь все - про сам музей. В эти дни в Тейт Модерн проходит пользующаяся огромной популярностью выставка Матисса (несмотря на недобрую цену). Однако Матисса я насмотрелся в Копенгагене - http://lorien22.livejournal.com/196998.html, поэтому я раскажу вам про постоянную коллекцию музея. Тем более, что в ней имеется одна из самых дорогих картин мира - Обнаженная, зеленые листья и бюст, кисти Пикассо.
Картину, на которой изображена Мари-Терез Вальтер Пикассо написал в 1932 году - за один день. В 2010 году ее продали совсем недавно за 106(!) миллионов долларов (торговать искусством в последнее годы похоже более выгодно, чем нефтью). Это также самая большая цена, полученная на аукционе. Считается, что эта картина символизирует пик творческой энергии художника.
Еще один портрет Мари-Терез Вальтер, "Голая женщина в красном кресле". Здесь женщина представлена как сумма чувственных окружностей. Даже ручки кресла специально завышены, чтобы подчеркнуть круглые формы. Лицо можно рассматривать либо как происходящую с фигурой метаморфозу, либо как двойную фигуру - правую сторону можно интерпретировать как лицо любовника, целующего женщину в губы.
Пикассо вообще хорошо представлен в Галерее Тейт (впрочем испанец был художник плодовитый, и представлен неплохо в десятках музеев по всему миру, в том числе и в Израиле. Хуже всего почему-то он представлен в музее Пикассо в Барселоне). Одна из его самых знаменитых картин - Герника (я, кстати, ее до сих пор не видел) - стала символом ужасов Второй мировой войны. Потом долгие месяцы Пикассо рисовал картины-продолжения, основанные на фигурах в Гернике. На фреске, отражающей бомбежку нацистами испанского города, можно в том числе увидеть плачущую женщину, держащую мертвого ребенка. Эта картина-сиквел - последняя из серии, самая детальная и проработанная. Моделью послужила Дора Маар - другая любовница Пикассо.
Еще один "портрет" Доры Маар, нарисованный 5 мая 1944 года. Сложная конфигурация отражает атмосферу последних месяцев оккупации Парижа нацистами. Напряженность и скованность - главные ощущения, которые Пикассо пытался выразить в этом полотне. Тем более, что двое самых близких еврейских друга художника - поэты Робер Деснос и Макс Жакоб - были депортированы. Деснос позднее погиб от тифа в концлагере Терезин, а Жакоб, будучи вдобавок еще и гомосексуалистом - погиб в лагере Дранси. Однако есть в картине и проблеск надежды - в марте Дора Маар вместе с Сартром и Симоной де Бовуар приняла участие в пьесе Пикассо, которую поставил Альбер Камю. На этом тему Пикассо считаю раскрытой, напоследок - просто его картина, которая мне нравится - "Три танцора".
Эта картина - воспоминание Пикассо о любовном треугольнике, который окончился самоубийством его друга Карлоса Касагемаса. На полотне, прямо таки брызжущем энергией, любовь, секс и смерть связаны между собой в экстатическом танце. Танцорща слева вообще находится в состоянии дионисической невменяемости. Ее лицо символизирует маску из Новой Гвинеи, которая указывает на связь Пикассо с африканским искусством и его влиянии - особенно во всем что касается сексуальности и самовыражения - на художника.
Ну а теперь обо всем по порядку. Спор о современном искусстве - по большому счету вечный. В моих постах тоже случалось подискутировать - http://lorien22.livejournal.com/225835.html - особенно, если дело касается Уорхола или Баскиата. Мондриан, картина которого представлена выше, тоже у многих вызывает недоумение. Какие-то квадратики, нарисовать которые, в сущности, особенного умения не требуется (кстати одна из его самых знаменитых картин находится в нашем музее искусства в Тель-Авиве). Тем не менее, голландец - один из самых знаменитых и востребуемых художников современности. Так в чем же идея?
В эпоху между двумя мировыми войнами художники разработали новые формы абстрактного искусства, основанные на эстетическом идеализме, и стремлением к более идеальному обществу. Мондриан и другие художники, жившие в эпоху нескончаемых войн и революций, были вынуждены отойти от приверженности к индивидуализму, и обратились к гармонии геометрических фигур. Именно подобного рода квадраты и линии стали для многих деятелей искусства идеальной формой нового мира. Наум Габо (Нехемия Беркович Певзнер) - один из лидеров консткрутивизма, испытавший все прелести русской революции - заявил, что "деконструкция материи, произошедшая в наше время не лишает нас оптимизма, поскольку мы переходим в новую эпоху, под названием реконструкция".
Изменения произошли также в инжерном деле, в архитектуре, ну и в особенности в скульптуре (это можно видеть в наши дни повсюду - от Тумаркина на площади Рабина до Генри Мура). Что касается непосредственно искусства - сдержанность и точность форм сменила буйство цвета. На картинах стал преобладать белый, как символ чистоты и невинности (тажке главный цвет всей современной архитектуры, отцом которой стал Ла Корбюзье).
Что касается двух картин, предоставленных выше - В соответствии с современными тенденциями, Мондриан решил сократить свою палитру до основных цветов. Несмотря на кажующуюся хаотичность, художник стремился к "динамичному эквилибриуму". Все линии хоть и не разделяют пространство на четкие и равные части, имеют четкое предназначение и цель.
"Дерево" - якобы не совсем стандартная картина Мондриана. Однако и здесь художник превращает что-то живое в четкую однообразную форму. Ветви и ствол сведены до сети вертикалей и горизонталей, в попытке обозначить порядок в природе. "Я хочу добраться до сути вещей, и пока этого не произойдет, я намерен превращать все - даже самые живые элементы в абстракт", - заявил Мондриан.
Формы в формах или отражение картины в картине. Моя попытка кадра со смыслом.
Эта световая инсталляция создана под прямым влиянием Мондриана. Художник был в восторге от четких геометрических форм голландца, однако решил привнести и более ранние влияния других мастеров - в этом случае экспрессионизм и цвет.
Как выяснилось, Диего Ривера тоже рисовал всякие несуразности. Мексиканский художник, в основном занятый производством масштабных реалистических фресок на коммунистическую тему и шашнями с многочисленными женщинами, подвергся влиянию кубизма и Хуна Гриса ы бытнось своего проживания в Париже между 1913 и 1917 годом. Особо отмечается факт присутствия на картине обложки книги Ницше "Весёлая наука", в которой он объявляет о смерти бога. Смысл трактуется двояко - кто-то утверждает, что Ривера таким образом провозглашает либо о смерти старого режима в эпоху войны и революции, либо о смерти старого искусства в пользу новых веяний и тенденций.
Без него теперь не обходится ни один музей - Френсис Бэкон. Почти все картины Бэкона - это попытка исследовать человека и его душу. На этой картине лицо искажено, поэтому мы не можем определить личность человека. В отличие от Мондриана, на картинах Бэкона полный хаос - на этом конкретном портрете кроме диформации лица мы можем наблюдать и диформацию пространства. Контуры ящика или коробки (фирменный знак Бэкона) в которой расположена фигура, символизирует человескую сущность в современном мире, вновь пришедшем к хаосу, в котором заправляет изоляция и клаустрофобия.
Леон Коccоф - "Человек, сидящий в инвалидной коляске". Мне в последнее время все больше и больше нравится этот еврей из России, смывшийся в Великобританию. Коссоф относится к Лондонской школе - послевоенное течение английских живописцев, которые работало не только в стиле абстрактного искусства, но и обращалось к традиционной, фигуративной художественной форме.
Ли Краснер - жена знаменитого американского художника Джексона Поллока. Поскольку большинство своего времени она тратила а своего безумно талантливого но абсолютно непутевого мужа, ее картины гораздо менее известны. Картина называется "готический лагдшафт" - очевидно потому, что вертикальные линии, доминирующие в центре полотна, можно рассматривать как деревья. Картина была написана уже после смерти ее мужа в 1956 году, и многие полагают, что жестокие, резкие и экспрессивные мазки отражают скорбь художницы. А вот и сам Поллок.
Именно Поллок разработал систему рисовать, не касаясь полотна (чем разозлил всех феминисток мира сего - о причине я лучше умолчу). Именно этот способ, по его словам, делал его свободным и более интуитивным по отношению к собственному "Я". В случае этой картины Поллок просто вылил черную краску на полотно, а потом приподнял его, позволив краске стечь и принять абстрактную форму. Потом он добавил желтый и фиолетовый цвет.
Марк Ротко. Честно признаюсь - с этим художником у меня тяжело). Картина написана под влиянием Микеланджело (??). Художник считал, что зритель должен полностью влиться в картину, и только тогда придет какое-то осознание или понимание, но то ли внешние раздражители не позволили мне сего духовного единения, то ли я слишком критичен в этом случае - не знаю.
Немного сюрреализма, и моего любимого Де Кирико. Картина кстати напоминает мне "Красную Башню" в музее Гуггенхайма. Называется "Неуверенность поэта". Де Кирико сам охарактеризовывал свои картины как "метафизические" - умение соединять в одной композиции сцены из повседневной жизни и фантизии о древнем мире, создавая таким образом очень сложную "фантастическую реальность". Сюрреалисты обожали подобного рода загадочные образы с искаженной перспективой. "Эти квадраты очень похожи на существующие квадраты, и тем не менее мы никогда не видели ничего подобного. Мы находимся в непостижимом мире", - заявил поэт Пол Элюар. А чтобы вы совсем не растерялись - еще один Кирико.
Тут название объясняет больше - "Меланхолия Расставания") Окно и карта с пунктирным маршрутом намекают на путешествие и попытку убежать из закрытой клаустрофобичной студии. Кирико - итальянец, живший в Греции - чувствовал себя оторванным от окружающей его среды, и сравнивал себя с аргонавтами из известного греческого мифа. Их путешествие казалось ему вечным одиночеством, пересекающим нескончаемые океаны
А эта картина написана под влиянием Кирико англичанином Тристрамом Хиллиером, который как и Нэн и Водсворт обожали загадочные фигуры греко-итальянца. Громадный якорь поражает, и заставляет задуматься о значимости этого странного монумента. Ну а раз уж мы о сюрреалистах - без главного из них никуда не деться.
"Метаморфозы Нарцисса". Пробовать объяснять картины Дали я даже не берусь. Еще две для закрепления темы, и идем дальше.
Осенний Каннибализм. Нарисована сразу после начала гражданской войны в Испании в 1936 году. Изображает пару в своеобразном каннибалистическом акте. Они находятся на вершине стола, сливающегося с тонами типичного испанского ландшафта. Конфликт отражается в форме яблока - отсылка к легенде Вильгельма Телля, в которой отец был вынужден выстрелить в собственного сына.
На этой картине можно видить всю двойственность символов Дали: Реку можно видеть и как рыбу - двойственность, призванная усомниться в рациональности происходящего. Полотно имеет как личную, так и общественную подоплеку: родители Дали поситили эту речку после смерти их первого ребенка, также названного Сальвадором, и считалось, что художника преследует образ его мертвого брата, которого он никогда не видел. Кроме этого, отключенный телефон символизирует оношения британского премьера Чемберлена с Гитлером после аннексации судетов в 1938 году.
Еще одна картина о влиянии Нацизма. Макс Эрнст - Целый город. Город неясно вырисовывается под яркой луной, выражая пессимизм от захвата нацистами Германии. Используя новую технику - Scrapping, "скреб", Эрнст показывает разрушенный пейзаж, скученный город без людей, и без оптимизма.
Можно подумать, что это Баскиат, но нет. Просто понравившаяся мне картина, хорошо отражающая влияние африканских мифов на западное искусство.
А это просто прикольная фотография, сделанная армянским фотографом Саркисяном в ходе войны в Сирии. Понравилось мне в ней громадная надпись "ЦУМ" посредине Алеппо)) Там под ней еще один русский магазин - жаль, на этой фотографии не видно)
А это Матисс с постоянной выставки. Приятный тихий спокойный портрет. Изображена Грета Молл - она и ее муж Осакр были из первых десяти студентов в художественной академии Матисса. Предоставляю здесь как контраст)
Мой любимый Эмиль Нольде. Этот морской пейзаж художник нарисовал в ходе пребывания на острове Силт в Германии. Экспрессивные мазки и яркие цвета какбэ намекают на приближающуюся бурю. В своих мемуарах Нольде писал "Я хотел еще раз увидеть море во всем его диком великолепии. Штормовые облака, гроза, вливающаяся в море - у меня есть есть шесть таких пейзажей, работа над которыми проходила в состоянии полного экстаза". О Нольде я много писал во время поездки по Скандинавии - http://lorien22.livejournal.com/205718.html. В этом линке про лучший музей мира есть кстати и про Кирико, и про Мондриана, и еще про много кого. Рекомендую.
Мой любимый Пауль Клее. Серия замыкающихся друг в друге парусов-треугольников создают единую линию лодок в элегантном, волнистом движении. Ритмическая композиция напоминает диаграмму, нарисованную Клее в одной из его лекций про Баухауз, в которой он рассказывал про "активную линию, ограниченную в движении постоянными точками". О его Ангеле Истории, хранящеся также у нас в Музее Израиля я тоже писал не раз - http://lorien22.livejournal.com/202167.html.
Леонора Кэррингтон. Картина называется Элохим - Бог по еврейски. Художница смешивает традиционные ирландские мифы, которые в детстве рассказывала ей няня, и мир, выдуманный ее мамой. Но больше всего в ее картинах часто можно увидеть мифологические существа. Ну а напоследок - немного постеров наших всеми любимых советских времен)
Кстати в этом году в Тейт Модерн пройдет ретроспектива картин Казимира Малевича
Так что русско-советская тема в музее представлена на отлично
Хвааатит. Устал)
Галерея Тейт Модерн расположена в здании бывшей электростанции Bankside Power Station на южном берегу Темзы
Архитектор здания - сэр Джайлс Гилберт Скотт, который спроектировал также Ливерпульский собор (о нем будет отдельно), мост Ватерлоо, дизайн знаменитой красной телефонной будки, и, что куда более важно - Battersea Power Station - угольную электростанцию, которая прославилась после того, как появилась на обложке легендарного альбома Пинк Флойд Animals
Раньше я более дружелюбно относился к Флойдам - одной из любимых групп моей молодости - но в последнее время Уотерс реально заебал своими призывами ко всем музыкантам бойкотировать Израиль, и чувствую скоро мне придется в ответ бойкотировать их группу. Впрочем, может он помрет раньше, и избавит меня от нужды лицезреть в новостях его архимерзкую харю. Однако я малость отвлекся.
Электростанция из Баттерси появлялась и во многих других произведениях культуры - например, в фильме Битлз "На помощь" (Help!), культовом английском сериале "Доктор Кто" (Doctor Who), эпизоде Шерлока "Скандал в Белгравии", в британской версии фильма 1984, и даже в фильме про Бетмена "Темный Рыцарь" (Dark Knight). Первое же "публичное" появление электростанции в кино произошло еще в 1936 году в фильме Альфреда Хичкока "Саботаж". Как выяснилось Хичкок и тут очутился впереди планеты всей)
Возвращаясь к нашим делам - единственное условие, поставленное архитектору насчет Bankside Power Station - чтобы его дымоходная труба была ниже шпиля собора Св. Павла, расположенного напротив.
Про собор я рассказывать не буду - как-то не комильфо, но вот несколько фотографий покажу.
Все наверное знают, что в последние годы от собора св. Павла, находящегося на одном берегу, к галерее Тейт Модерн на другом берегу провели мост Миллениум (Millenium Bridge). Когда именно построили мост, надеюсь объяснять не надо)
Кстати, в прошлый мой визит в Лондоне (2003 год) этот мост вызвал у меня жуткую панику (я боюсь высоты, мостов, воды, людей, и вообще всего - типичный еврей в общем), но в этот визит все обошлось как-то более благополучно. Я вальяжно расхаживал себе по мосту, и даже сделал с него некоторое количество кадрофф, которые вам обьязательно продемонстрирую.
Вот такой сейчас вид с моста Миллениум на современный Лондон. В центре можно узреть Тауэрский мост, который я надеюсь в представлении не нуждается. Справа - The Shard или "Осколок". Самое высокое здание в Лондоне (306 метров), и до недавнего времени самое высокое здание в Европе (теперь пальму первенства держит башня Меркурий в Москве). Как и все небоскребы Лондона выглядит ужасно и не в тему вообще, особенно учитывая тот факт, что совсем неподалеку находится тысячелетний Тауэр. Строительство Осколка вызвало бурные споры, однако деньги победили, и теперь те, кто ходят в древнюю Белую Башню могут наблюдать хаотичность современного Сити не отходя от кассы.
Слева - еще несколько ужасных небоскребов. В центре - 122 Леденхолл Стрит, в народе прозваный "Сырная тёрка" (с юмором у англичан все в порядке - в отличие от чувства ландшафта). 225 метров, четвретый по высоте в Лондоне. Уродлив, как моя жизнь. Открылся как раз в дни моего пребывания в городе. Слева достраивается еще один урод, в народе известный как Воки-Токи (Рация). 160 метров, пятый по высоте небоскреб Лондона. Ужаснах, и я даже не буду рассказывать вам про знаменитый огурец (его, слава всем святым, на этих фотографиях не видно).
Я вообще не хотел здесь подымать эту тему - о современном Лондон-Сити будет отдельный пост - но похоже, что как и в случае с Нью-Йорком, никто всерьез не занимался планировкой этих мегаполисов. Как-то мы обсуждали этот вопрос с моим двоюродным братом, когда я был в Америке, и он сказал, что в никто не думал, как в Нью-Йорке одно здание будет выглядеть рядом с другим (в отличие, например, от Сан-Диего). Просто бухали все стили подряд, и теперь город выглядит абсолютно хаотично - http://lorien22.livejournal.com/227290.html. Такое же ощущение создается и в Лондоне. То тысячелетний Тауэр, или готическая церковь, а рядом - стеклянный небоскреб или кирпичная громадина. Иногд видишь целые улицы в одном стиле, но это большая редкость. Впрочем от очарования британской столицы это не отбавляет - Лондон берет другим.
Ну а мы все-же вернемся к высокому искусству и перейдем по мосту от собора св. Павла
К галерее Тейт Модерн. Все сказанное выше было лишь прелюдией - мне не раз в прошлом заявляли, что искусство людей утомляет, и что не надо быть слишком элитарным и высоколобым, посему я решил немножко и окрестностей показать и пообсуждать насущные вопросы. Но теперь доставайте подушки, ибо мы входим в музей!
К слову, здание угольной станции долгие годы было под угрозой сноса, пока его не превратили в самый знаменитый музей современного искусства в мире. В эти дни происходят большие перемены, и к старому зданию пристраивается новое ультрасовременное крыло.
Вот здесь проект видно чуть лучше - белое здание сразу за трубой. Выглядит неплохо, но в комплексе будет как и со всем новым Лондоном - абсолютно не в тему. Контраст старого и нового и полная неразбериха стилей в этом городе не работает, ИМХО.
Ну а теперь все - про сам музей. В эти дни в Тейт Модерн проходит пользующаяся огромной популярностью выставка Матисса (несмотря на недобрую цену). Однако Матисса я насмотрелся в Копенгагене - http://lorien22.livejournal.com/196998.html, поэтому я раскажу вам про постоянную коллекцию музея. Тем более, что в ней имеется одна из самых дорогих картин мира - Обнаженная, зеленые листья и бюст, кисти Пикассо.
Картину, на которой изображена Мари-Терез Вальтер Пикассо написал в 1932 году - за один день. В 2010 году ее продали совсем недавно за 106(!) миллионов долларов (торговать искусством в последнее годы похоже более выгодно, чем нефтью). Это также самая большая цена, полученная на аукционе. Считается, что эта картина символизирует пик творческой энергии художника.
Еще один портрет Мари-Терез Вальтер, "Голая женщина в красном кресле". Здесь женщина представлена как сумма чувственных окружностей. Даже ручки кресла специально завышены, чтобы подчеркнуть круглые формы. Лицо можно рассматривать либо как происходящую с фигурой метаморфозу, либо как двойную фигуру - правую сторону можно интерпретировать как лицо любовника, целующего женщину в губы.
Пикассо вообще хорошо представлен в Галерее Тейт (впрочем испанец был художник плодовитый, и представлен неплохо в десятках музеев по всему миру, в том числе и в Израиле. Хуже всего почему-то он представлен в музее Пикассо в Барселоне). Одна из его самых знаменитых картин - Герника (я, кстати, ее до сих пор не видел) - стала символом ужасов Второй мировой войны. Потом долгие месяцы Пикассо рисовал картины-продолжения, основанные на фигурах в Гернике. На фреске, отражающей бомбежку нацистами испанского города, можно в том числе увидеть плачущую женщину, держащую мертвого ребенка. Эта картина-сиквел - последняя из серии, самая детальная и проработанная. Моделью послужила Дора Маар - другая любовница Пикассо.
Еще один "портрет" Доры Маар, нарисованный 5 мая 1944 года. Сложная конфигурация отражает атмосферу последних месяцев оккупации Парижа нацистами. Напряженность и скованность - главные ощущения, которые Пикассо пытался выразить в этом полотне. Тем более, что двое самых близких еврейских друга художника - поэты Робер Деснос и Макс Жакоб - были депортированы. Деснос позднее погиб от тифа в концлагере Терезин, а Жакоб, будучи вдобавок еще и гомосексуалистом - погиб в лагере Дранси. Однако есть в картине и проблеск надежды - в марте Дора Маар вместе с Сартром и Симоной де Бовуар приняла участие в пьесе Пикассо, которую поставил Альбер Камю. На этом тему Пикассо считаю раскрытой, напоследок - просто его картина, которая мне нравится - "Три танцора".
Эта картина - воспоминание Пикассо о любовном треугольнике, который окончился самоубийством его друга Карлоса Касагемаса. На полотне, прямо таки брызжущем энергией, любовь, секс и смерть связаны между собой в экстатическом танце. Танцорща слева вообще находится в состоянии дионисической невменяемости. Ее лицо символизирует маску из Новой Гвинеи, которая указывает на связь Пикассо с африканским искусством и его влиянии - особенно во всем что касается сексуальности и самовыражения - на художника.
Ну а теперь обо всем по порядку. Спор о современном искусстве - по большому счету вечный. В моих постах тоже случалось подискутировать - http://lorien22.livejournal.com/225835.html - особенно, если дело касается Уорхола или Баскиата. Мондриан, картина которого представлена выше, тоже у многих вызывает недоумение. Какие-то квадратики, нарисовать которые, в сущности, особенного умения не требуется (кстати одна из его самых знаменитых картин находится в нашем музее искусства в Тель-Авиве). Тем не менее, голландец - один из самых знаменитых и востребуемых художников современности. Так в чем же идея?
В эпоху между двумя мировыми войнами художники разработали новые формы абстрактного искусства, основанные на эстетическом идеализме, и стремлением к более идеальному обществу. Мондриан и другие художники, жившие в эпоху нескончаемых войн и революций, были вынуждены отойти от приверженности к индивидуализму, и обратились к гармонии геометрических фигур. Именно подобного рода квадраты и линии стали для многих деятелей искусства идеальной формой нового мира. Наум Габо (Нехемия Беркович Певзнер) - один из лидеров консткрутивизма, испытавший все прелести русской революции - заявил, что "деконструкция материи, произошедшая в наше время не лишает нас оптимизма, поскольку мы переходим в новую эпоху, под названием реконструкция".
Изменения произошли также в инжерном деле, в архитектуре, ну и в особенности в скульптуре (это можно видеть в наши дни повсюду - от Тумаркина на площади Рабина до Генри Мура). Что касается непосредственно искусства - сдержанность и точность форм сменила буйство цвета. На картинах стал преобладать белый, как символ чистоты и невинности (тажке главный цвет всей современной архитектуры, отцом которой стал Ла Корбюзье).
Что касается двух картин, предоставленных выше - В соответствии с современными тенденциями, Мондриан решил сократить свою палитру до основных цветов. Несмотря на кажующуюся хаотичность, художник стремился к "динамичному эквилибриуму". Все линии хоть и не разделяют пространство на четкие и равные части, имеют четкое предназначение и цель.
"Дерево" - якобы не совсем стандартная картина Мондриана. Однако и здесь художник превращает что-то живое в четкую однообразную форму. Ветви и ствол сведены до сети вертикалей и горизонталей, в попытке обозначить порядок в природе. "Я хочу добраться до сути вещей, и пока этого не произойдет, я намерен превращать все - даже самые живые элементы в абстракт", - заявил Мондриан.
Формы в формах или отражение картины в картине. Моя попытка кадра со смыслом.
Эта световая инсталляция создана под прямым влиянием Мондриана. Художник был в восторге от четких геометрических форм голландца, однако решил привнести и более ранние влияния других мастеров - в этом случае экспрессионизм и цвет.
Как выяснилось, Диего Ривера тоже рисовал всякие несуразности. Мексиканский художник, в основном занятый производством масштабных реалистических фресок на коммунистическую тему и шашнями с многочисленными женщинами, подвергся влиянию кубизма и Хуна Гриса ы бытнось своего проживания в Париже между 1913 и 1917 годом. Особо отмечается факт присутствия на картине обложки книги Ницше "Весёлая наука", в которой он объявляет о смерти бога. Смысл трактуется двояко - кто-то утверждает, что Ривера таким образом провозглашает либо о смерти старого режима в эпоху войны и революции, либо о смерти старого искусства в пользу новых веяний и тенденций.
Без него теперь не обходится ни один музей - Френсис Бэкон. Почти все картины Бэкона - это попытка исследовать человека и его душу. На этой картине лицо искажено, поэтому мы не можем определить личность человека. В отличие от Мондриана, на картинах Бэкона полный хаос - на этом конкретном портрете кроме диформации лица мы можем наблюдать и диформацию пространства. Контуры ящика или коробки (фирменный знак Бэкона) в которой расположена фигура, символизирует человескую сущность в современном мире, вновь пришедшем к хаосу, в котором заправляет изоляция и клаустрофобия.
Леон Коccоф - "Человек, сидящий в инвалидной коляске". Мне в последнее время все больше и больше нравится этот еврей из России, смывшийся в Великобританию. Коссоф относится к Лондонской школе - послевоенное течение английских живописцев, которые работало не только в стиле абстрактного искусства, но и обращалось к традиционной, фигуративной художественной форме.
Ли Краснер - жена знаменитого американского художника Джексона Поллока. Поскольку большинство своего времени она тратила а своего безумно талантливого но абсолютно непутевого мужа, ее картины гораздо менее известны. Картина называется "готический лагдшафт" - очевидно потому, что вертикальные линии, доминирующие в центре полотна, можно рассматривать как деревья. Картина была написана уже после смерти ее мужа в 1956 году, и многие полагают, что жестокие, резкие и экспрессивные мазки отражают скорбь художницы. А вот и сам Поллок.
Именно Поллок разработал систему рисовать, не касаясь полотна (чем разозлил всех феминисток мира сего - о причине я лучше умолчу). Именно этот способ, по его словам, делал его свободным и более интуитивным по отношению к собственному "Я". В случае этой картины Поллок просто вылил черную краску на полотно, а потом приподнял его, позволив краске стечь и принять абстрактную форму. Потом он добавил желтый и фиолетовый цвет.
Марк Ротко. Честно признаюсь - с этим художником у меня тяжело). Картина написана под влиянием Микеланджело (??). Художник считал, что зритель должен полностью влиться в картину, и только тогда придет какое-то осознание или понимание, но то ли внешние раздражители не позволили мне сего духовного единения, то ли я слишком критичен в этом случае - не знаю.
Немного сюрреализма, и моего любимого Де Кирико. Картина кстати напоминает мне "Красную Башню" в музее Гуггенхайма. Называется "Неуверенность поэта". Де Кирико сам охарактеризовывал свои картины как "метафизические" - умение соединять в одной композиции сцены из повседневной жизни и фантизии о древнем мире, создавая таким образом очень сложную "фантастическую реальность". Сюрреалисты обожали подобного рода загадочные образы с искаженной перспективой. "Эти квадраты очень похожи на существующие квадраты, и тем не менее мы никогда не видели ничего подобного. Мы находимся в непостижимом мире", - заявил поэт Пол Элюар. А чтобы вы совсем не растерялись - еще один Кирико.
Тут название объясняет больше - "Меланхолия Расставания") Окно и карта с пунктирным маршрутом намекают на путешествие и попытку убежать из закрытой клаустрофобичной студии. Кирико - итальянец, живший в Греции - чувствовал себя оторванным от окружающей его среды, и сравнивал себя с аргонавтами из известного греческого мифа. Их путешествие казалось ему вечным одиночеством, пересекающим нескончаемые океаны
А эта картина написана под влиянием Кирико англичанином Тристрамом Хиллиером, который как и Нэн и Водсворт обожали загадочные фигуры греко-итальянца. Громадный якорь поражает, и заставляет задуматься о значимости этого странного монумента. Ну а раз уж мы о сюрреалистах - без главного из них никуда не деться.
"Метаморфозы Нарцисса". Пробовать объяснять картины Дали я даже не берусь. Еще две для закрепления темы, и идем дальше.
Осенний Каннибализм. Нарисована сразу после начала гражданской войны в Испании в 1936 году. Изображает пару в своеобразном каннибалистическом акте. Они находятся на вершине стола, сливающегося с тонами типичного испанского ландшафта. Конфликт отражается в форме яблока - отсылка к легенде Вильгельма Телля, в которой отец был вынужден выстрелить в собственного сына.
На этой картине можно видить всю двойственность символов Дали: Реку можно видеть и как рыбу - двойственность, призванная усомниться в рациональности происходящего. Полотно имеет как личную, так и общественную подоплеку: родители Дали поситили эту речку после смерти их первого ребенка, также названного Сальвадором, и считалось, что художника преследует образ его мертвого брата, которого он никогда не видел. Кроме этого, отключенный телефон символизирует оношения британского премьера Чемберлена с Гитлером после аннексации судетов в 1938 году.
Еще одна картина о влиянии Нацизма. Макс Эрнст - Целый город. Город неясно вырисовывается под яркой луной, выражая пессимизм от захвата нацистами Германии. Используя новую технику - Scrapping, "скреб", Эрнст показывает разрушенный пейзаж, скученный город без людей, и без оптимизма.
Можно подумать, что это Баскиат, но нет. Просто понравившаяся мне картина, хорошо отражающая влияние африканских мифов на западное искусство.
А это просто прикольная фотография, сделанная армянским фотографом Саркисяном в ходе войны в Сирии. Понравилось мне в ней громадная надпись "ЦУМ" посредине Алеппо)) Там под ней еще один русский магазин - жаль, на этой фотографии не видно)
А это Матисс с постоянной выставки. Приятный тихий спокойный портрет. Изображена Грета Молл - она и ее муж Осакр были из первых десяти студентов в художественной академии Матисса. Предоставляю здесь как контраст)
Мой любимый Эмиль Нольде. Этот морской пейзаж художник нарисовал в ходе пребывания на острове Силт в Германии. Экспрессивные мазки и яркие цвета какбэ намекают на приближающуюся бурю. В своих мемуарах Нольде писал "Я хотел еще раз увидеть море во всем его диком великолепии. Штормовые облака, гроза, вливающаяся в море - у меня есть есть шесть таких пейзажей, работа над которыми проходила в состоянии полного экстаза". О Нольде я много писал во время поездки по Скандинавии - http://lorien22.livejournal.com/205718.html. В этом линке про лучший музей мира есть кстати и про Кирико, и про Мондриана, и еще про много кого. Рекомендую.
Мой любимый Пауль Клее. Серия замыкающихся друг в друге парусов-треугольников создают единую линию лодок в элегантном, волнистом движении. Ритмическая композиция напоминает диаграмму, нарисованную Клее в одной из его лекций про Баухауз, в которой он рассказывал про "активную линию, ограниченную в движении постоянными точками". О его Ангеле Истории, хранящеся также у нас в Музее Израиля я тоже писал не раз - http://lorien22.livejournal.com/202167.html.
Леонора Кэррингтон. Картина называется Элохим - Бог по еврейски. Художница смешивает традиционные ирландские мифы, которые в детстве рассказывала ей няня, и мир, выдуманный ее мамой. Но больше всего в ее картинах часто можно увидеть мифологические существа. Ну а напоследок - немного постеров наших всеми любимых советских времен)
Кстати в этом году в Тейт Модерн пройдет ретроспектива картин Казимира Малевича
Так что русско-советская тема в музее представлена на отлично
Хвааатит. Устал)