Часть 1: ...от Древней Греции до наших дней (черновик-конспект лекции)
Поэтическое слово на театральной сцене: от Древней Греции до наших дней (черновик-конспект лекции)
Материал подготовлен для проекта хабаровского Белого Театра "Поэтическое слово. Традиции и современность": лекция театроведа Оксаны Хрипун театральный цикл драматургии Марины Цветаевой "Романтика" . www.белыйтеатр.рф
Лекция состоялась 21 марта 2020 в Белом Театре г.Хабаровска
В первой - вводной лекции, будут затронуты этапы развития поэтического слова на театральной сцене от Еврипида до Мейерхольда и начала 21-го века. И, несмотря на то что невозможно объять необъятное, будет предпринята попытка сделать это - для того, чтобы приблизиться к ответу на вопрос актуальный для следующей лекции: имеет ли право театр, а конкретнее режиссёр и актёр на интерпретацию и изменение поэтического текста?
В финале состоится показ отрывка из спектакля Театра Наций «#СонетыШекспира» в постановке Тимофея Кулябина.
Вторая лекция посвящена «романтике» драматургии Марины Цветаевой, а также праве театра на сотворчество, соавторство.
Планируется, что зрители-слушатели станут соучастниками размышления на эту тему. А поможет им в этом просмотр видео с прочтением цветаевской поэзии очень разноплановыми актрисами: Аллой Демидовой, Маргаритой Тереховой, Алисы Фрейндлих, Чулпан Хоматовой.
В финале запланирован показ отрывка из мюзикла «Казанова» Карлиса Лациса по мотивам пьесы Марины Цветаевой «Приключение». Постановка и либретто Алексея Франдетти.
Третья лекция посвящена творчеству поэтов войны. Истории появления их поэзии на театральной сцене, благодаря спектаклю Юрия Любимова “Павшие и живые”.
Помимо воспоминания об этом спектакле вечером 8 мая зрители-слушатели смогут также увидеть несколько фрагментов из современных спектаклей, посвященных теме второй мировой войны: “17 писем в небеса” Антона Оконешникова, поставленный студентами Санкт-Петербургской театральной академии, “Гекатомба. Блокадный дневник” Яны Туминой в Театре на Литейном, “Моё поколение” Романа Дробота в Электротеатре.
Четвёртая лекция попытается охватить необъятное - звучание поэтического слова Пушкина на театральной сцене. Здесь наши зрители-слушатели смогут послушать и увидеть как с текстами Пушкина на театральной сцене справлялись через своих артистов такие мастера режиссуры как Константин Станиславский, Владимир Немирович-Данченко, Роберт Уилсон, Марк Вайль.
Поэтическое слово на театральной сцене: от древних греков до наших дней.
Добрый день, друзья. Разрешите поздравить вас с Днём поэзии!
Тема нашей встречи - Поэтическое слово на театральной сцене: от древних греков до наших дней.
Но мне не хотелось бы вводить вас в заблуждение: конечно же, за один астрономический час мы с вами не охватим что-то около 3 тысячелетий жизни искусства нашей цивилизации.
Мы остановимся очень коротко лишь на 4 этапах, имеющих самое непосредственное отношение к вопросу, который для современного театра в нашем с вами настоящем как это ни странно всё ещё актуален: имеет ли право театр, а конкретнее режиссёр и актёр на интерпретацию и изменение поэтического текста?
Сразу должна сказать, что у меня есть мой собственный ответ на этот вопрос. И ответ этот абсолютно категоричен. Но так как я всё чаще встречаю людей, которые отвечают на него иначе, и мне приходится мириться с тем, что и они мои современники, то глупо было бы игнорировать иное мнение, не попытавшись в нём разобраться и вновь попытаться отстоять своё.
Знаете, я много лет работала в одном замечательном, даже легендарном театре. Так как он часть моей и не только моей биографии этот театр я буду его упоминать, уж простите мне такую вольность. Сразу скажу - это не один из хабаровских театров.
Так вот, работая в ташкентском театре Ильхом, при котором была своя Школа-студия, я и ещё один наш артист и преподаватель сценической речи в этой Школе, однажды стали свидетелями разговора одного молодого преподавателя и артиста театра со студентом. Молодой преподаватель очень эмоционально и страстно внушал своему студенту мысль о том, что он должен досконально знать своего героя. В какой социальной среде он вырос. Всю его биографию, и биографии всех его родных. Знать имена бабушек и дедушек, братьев и сестёр. Иди! И чтоб завтра ты всё это знал! - напутствовал молодой педагог своего студента.
Артист и преподаватель по сцен.речи, сидевший со мной рядом так задумчиво произнёс: ну, социальная среда ладно… Но вот я, например, понятия не имею кто дядя и тётя моих персонажей.
На что молодой преподаватель запальчиво ответил: вот и плохо! Ты не знаешь, а он пусть знает!
Тем же вечером шёл спектакль “Квартал Тортилья-Флэт”, в котором были заняты оба преподавателя Школы.
Преподаватель, распекавший студента, играл роль Дэнни, а преподаватель по сцен.речи роль его друга Пабло. Они оба бездомные, живущие на улицах Монтерея. И вот одна из первых сцен: Дэнни получает известие о том, что умер его дед и он получил наследство - целый дом. От нахлынувших чувств, Дэнни приглашает своего друга жить с ним. Сцена заканчивается. Дэнни должен уходить, но тут вдруг Пабло говорит: Дэнни, у меня к тебе есть один вопрос.
Какой?
А как звали твоего деда?
Как впоследствии вспоминал артист, его прошиб холодный пот. Он лихорадочно пытался вспомнить хотя бы одно мексиканское имя, но в голове была только каша. После долгой паузы он наконец смог выдавить из себя: Ху… Хулио! И помолчав спросил: а что?
Да ничего - простодушно сказал ему Пабло - я просто думаю в кого ты такой добрый?..
К чему я поведала сейчас об этом случае? К тому, что несмотря на то что невозможно объять необъятное даже за пару астрономических часов, но на основных этапах - мой взгляд основных этапах, - чтобы знать кто же дяди и тёти нынешних театральных постановок по поэтическим текстам, мы с попробуем остановиться и поговорить.
О, кей.
Мы сейчас с вами отправимся в Древнюю Грецию.
Представим огромный амфитеатр, арену, артистов-протагонистов в расписных ярких одеяниях, взгроможденных на 40- сантиметровые котурны, как минимум, так как их размер постоянно возрастал. И в эпоху Рима они стали напоминать ходули.
Представим гипертрофированные маски на актёрах, многочисленный хор.
Ну и вспомним о том, что герои трагедий Еврипида, Софокола, Эсхила, и даже комедий Аристофана - чаще всего кто? Правильно - боги, полубоги, цари и герои.
Кстати, о богах
Каким мы представляем себе греческий Олимп? Скорее всего наше представление будет связано с двумя цветами - белым и красным. А Древняя Греция с белым и голубым: белый мрамор, голубой небо и синее море…
Не так ли?
Белые мраморные стАтуи Эрмитажа или Петергофа - глянцевые открытки, знакомые с детства… Быть может только у Зевса мы можем представить себе красный плащ.
Но это неправда, то есть ложь. Маленькая невольная, созданная неумолимым временем ложь. Да, и время умеет лгать.
Эта ложь достаточно крепко повлияло на умы, на восприятие того, как это было когда-то. А значит… - должно быть неизменным!
Но уже в конце XIX века известный немецкий археолог Георг Трой попытался представить себе, как выглядела "в оригинале" голова древнеримской богини. Остатки краски, обнаруженной на ней, дали ему возможность предположить, что она была раскрашена. Но за много веков краски выцвели, были смыты подземными водами.
А это говорит нам о том, что и древнегреческая театральная сцена была достаточно живописной не только благодаря расписным декорациям и маскам, в которых художники пытались выразить гипертрофированную мимику.
(Показ слайдов)
Давайте посмотрим несколько фотографий. Здесь фото традиционного древнегреческого театра и фото с выставки, которая проходит сейчас в Германии, во Франкфурте: "Разноцветные боги: золотая коллекция". Там представлена реконструкция, благодаря которой можно увидеть, как могли выглядеть античные скульптуры на самом деле.
Лучник с острова Эгина
Археолог Винсент Бринкман смог полностью воссоздать раскраску одежды мраморной фигуры лучника с острова Эгина. Она была изготовлена примерно в 480 году до н. э.
Надгробная статуя Кора Фрасиклеи
"Кора" на древнегреческом означала "девушку". Эта скульптура - надгробие гречанки Фрасиклеи, которая умерла молодой где-то 2600 лет назад. Фигуры кор в ту эпоху были полихромными. Цвет подчеркивал реалистичность изображения и играл декоративную роль. Для окраски использовались, в частности, природные пигменты, свинцовая фольга, сусальное золото.
Цветная реконструкция Куроса
Курос - типичный образец античной скульптуры обнаженного юноши-атлета в полный рост. Такие фигуры ставили в храмах и на гробницах. Существуют сотни подобных скульптур, которые сохранились до наших дней.
Девушка из Геркуланума
Древнеримский город Геркуланум, как и легендарные Помпеи, был погребен под пеплом и лавой во время извержения Везувия в 79 году н.э. Эта статуя, датируемая примерно 100 г. до н.э., изображает молодую женщину в типичном для той эпохи одеянии.
Три варианта Музы
Еще один исследовательский проект был посвящен статуе Музы. Уж и не знаю какая именно из 9 муз здесь представлена. Но Талия ли это - муза поэзии, или Мельпомена - муза театра для нас сейчас не столь важно. Археологи нашли на мраморе этой и других муз множество следов раскраски, но не всегда их можно интерпретировать однозначно. Поэтому для выставки во франкфуртском "Доме Либига" были сделаны три реконструкции, три варианта, показывающие, как могла выглядеть эта мраморная статуя.
Бронзовые воины
На выставке во Франкфурте представлены не только мраморные, но и бронзовые статуи. Эти были отлиты в Древней Греции примерно в 440 году до н.э. Для получения "оригинального" цвета их искусственно патинировали. Ведь под воздействием времени и окружающей среды бронза становится сначала зеленой, а потом чернеет. Для экспозиции цвет, так сказать, восстановили.
То есть как минимум ту же гамму цветов можно было увидеть и в одеяниях персонажей древнегреческих трагедий.
Согласитесь, всё это выглядит торжественно и возвышенно.
Необходимо учитывать, что сценические обстоятельства тогда сами собой диктовали и манеру, и правила поведения артиста и хора на сцене. Движение на котурнах никогда не будет естественным человеческим шагом.
Акустика арены так же подталкивала к неестественной подаче речи. Тем более артист находился в маске, а это диктовала форсирование звука.
Мы помним так же, что в те времена режиссурой зачастую занимались сами авторы - поэты-драматурги. И если для большинства из них в первую очередь важно было показать красоту стиха, песен и своей интерпретации той или иной истории.
Мой сегодняшний герой - драматург Еврипид, не пользовался большой популярностью у своих современников и соотечественников. Поскольку придерживался нетрадиционных для того времени взглядов на взаимоотношения драматурга и публики. Он ей никогда не потакал и считал это зазорным для себя. Не публика должна меня учить, а я публику - говорил софист и философ Еврипид. Для него, как для автора, важным было донесение смысла произведения, которое появлялось в конкретном временном контексте.
Возможно поэтому его многочисленные произведения очень редко награждались публикой и профессионалами на конкурсах, в отличие от произведений того же Софокла, или иных авторов, имена которых для нас совершенно утеряны. Над его произведениями издевался Аристофан… При жизни он всего 4 раза получил первое место в конкурсе драматургов. Пятый раз случился после его смерти. Несколько раз получал третье место. А написано им было немало - более 90 произведений. И все в стихах.
Еврипид принёс в театральное пространство того времени новое направление, которое не нравилось поколению, воспитанному на старых обычаях.
Но он, не взирая на нерасположение публики, упорно продолжал идти своим путем, и почти всегда прямо и лично противоречил своему зрителю, если публика выражала неудовольствие какой-нибудь его смелой мыслью, или нравственным смыслом.
Однажды при представлении «Беллерофонта» весь народ, услышав, как человеконенавистник Беллерофонт восхваляет деньги выше всего на свете, в гневе поднялся с мест и хотел прогнать со сцены актеров и прекратить представление, Еврипид явился на сцену и потребовал, чтобы зрители дождались конца пьесы и посмотрели, что ожидает поклонника денег.
А в другой раз, при исполнении трагедии «Иксион» её герой - злодей, возвёл несправедливость в принцип! И дерзкою софистикой разрушил все понятия о добродетели и о долге!
Поэтому эта трагедия подверглась освистанию и порицанию как безбожная и безнравственная.
Поэт возражал, и только тогда снял свою драму с репертуара, когда его к этому принудили.
То есть, собственно говоря, древним грекам даже не потребовался тогда законам, охраняющий чувства верующих.
А теперь галопом, минуя столетия и страны, перенесёмся в эпоху Шекспира.
Сейчас для нас не столько важно кто прав - те, кто говорят, что это был один настоящий поэт-драматург, или те, кто склонен считать, что за этим именем может скрываться целый сонм разных поэтов. По некоторым исследованиям аж до 80 человек. Для нас важно то, что почти каждое его произведение написано не только мастерскИ с точки зрения поэзии, но и «на злобу дня». И если бы это было не так, современная ему публика не воспринимала бы его трагедии и комедии столь остро.
Общеизвестно, что Шекспир СОВСЕМ не трепетно относился к тому, что было написано до него. Большая часть его пьес написана на чужие сюжеты, которые он, не задумываясь превращал в свои произведения. У него нет практически ни одного оригинального сюжета.
Но! Несмотря на то, что за многими его персонажами стоят конкретные исторические личности, всё же тип их мыслей, манеры, были легко узнаваемы именно в контексте того времени, когда их написал Шекспир. Он намеренно придавал им черты конкретных людей: тех, кого знал лондонский люд. Но дело даже не в узнавании отдельных персонажей. Они были написаны современным английским и даже лондонским языком того времени.
У Мандельштама в статье «Художественный театр и слово» есть замечательная формула: «В слове скрыта режиссура». В шекспировском слове эта режиссура скрыта (или открыта) самым очевидным образом. Шекспир всегда писал сразу спектакли, а не пьесы, он создает, выписывает мизансцены как режиссёр.
В его времена драматургия ещё не существовала как литература для чтения. она таковой только становилась. Его тексты написаны не для потомков, не для литературы.
Они написаны для здесь и сейчас - сиюминутных надобностей театра. Под конкретных актёров - вплоть до телосложения, для конкретной конфигурации театра Глобус, где сцена врезается достаточно глубоко в зал, и публика располагалась для актёра словно в трёхмерном пространстве. Это был театр без занавеса, с тремя сценами: главной, верхней и внутренней. Именно внутренняя была за занавеской.
Для современной ему публики Шекспир был остросовременным автором с современными тому зрителю ассоциациями и аллюзиями.
Так возможно ли полная реконструкция трагедий Еврипида или Шекспира в наше время? Время людей с иным опытом и ритмом мышления?
******
Попытки вполне научных реконструкций спектаклей предпринимались в начале прошлого века.
На заре двадцатого века Николай Николаевич Евреинов создал ряд театров, среди них несколько сезонов просуществовал Старинный театр. В нем он пытался со всей доскональностью реконструировать средневековые спектакли, спектакли испанского Возрождения.
Как некий театроведческий эксперимент это было, безусловно, интересно, но как факт истории живого театра - это начинание потерпело фиаско.
Предпринимаются такие попытки и теперь - в конце февраля уже этого года, например, МХАТ имени Горького предпринял попытку реконструкции спектакля «Три сестры», которую в 1940 году поставил Немирович-Данченко.
Я, к сожалению, или счастью спектакль не видела, но мои коллеги, которым я более чем склонна доверять, дали свою оценку этому… явлению.
Если коротко и своими словами, то оно похоже на попытку вдохнуть жизнь в труп. Театр зомби, наверно, тоже может представлять ценность, но за Немировича-Данченко, согласитесь, несколько обидно.
Почему же подобные попытки ждёт заведомый провал? Потому что есть такой элемент театрального действа, который невозможно реконструировать, - это зритель. Невозможно засунуть в головы современников мозги людей семнадцатого века.
Потому что они все равно смотрят своими глазами, у них свой круг ассоциаций, и именно поэтому точная реконструкция спектакля невозможна. Да, в чём-то люди не меняются с ДО древнегреческих времен. И всё же любая игра с исконно-посконное отчего-то всегда выглядит как плохая игра: как пародия. особенно, когда это пытаются делать абсолютно серьезно - с полной верой и самоотдачей в предлагаемые обстоятельства.
Как завещал Константин Сергеевич Станиславский.
Нет. Реконструкции невозможны. Ещё и потому, что мы, как правило, не знаем ТЕХ ассоциаций и аллюзий. Они не соотносятся с нашими, не вызывают в нас немедленную реакцию на подкорке, если хотите - в подсознании.
Более того, у нас совсем иной ритм и стиль говорения. Да, мы знаем Шекспира в переводах. НО! И переводы имеют тенденцию устаревать. К сожалению, в России, в отличие от Европы, не принято осуществлять переводы Шекспира или иных классических авторов чуть ли не каждое десятилетие.
Что касается русской поэтической классики, так у нас теперь и язык иной. А не только ритм и стиль. Наш язык изменился настолько, что порой нам нужен переводчик с Пушкина, не говоря уж о Державине, или даже Есенине.
Нам в школе говорили: "Пушкин - создатель современного русского языка", но попробуйте без растолковывающих сносок прочесть, например, его стихотворение «Пророк», где через строфу появляется слово, которое требует перевода на современный русский язык. Да и в Евгении Онегине или пушкинской прозе, не говоря уж о сказках, таких слов множество.
Чуть позже, в наш с вами пушкинский день, мы с вами ещё вернемся именно к стихотворению Пророк, поэтому сейчас я упомянула именно его в надежде, что вы восстановите его в своей памяти к нашей следующей лекции с показом того, как его читают артисты разных поколений.
*******
Часть 2 (продолжение : https://x-oksana.livejournal.com/467461.html)
Материал подготовлен для проекта хабаровского Белого Театра "Поэтическое слово. Традиции и современность": лекция театроведа Оксаны Хрипун театральный цикл драматургии Марины Цветаевой "Романтика" . www.белыйтеатр.рф
Лекция состоялась 21 марта 2020 в Белом Театре г.Хабаровска
В первой - вводной лекции, будут затронуты этапы развития поэтического слова на театральной сцене от Еврипида до Мейерхольда и начала 21-го века. И, несмотря на то что невозможно объять необъятное, будет предпринята попытка сделать это - для того, чтобы приблизиться к ответу на вопрос актуальный для следующей лекции: имеет ли право театр, а конкретнее режиссёр и актёр на интерпретацию и изменение поэтического текста?
В финале состоится показ отрывка из спектакля Театра Наций «#СонетыШекспира» в постановке Тимофея Кулябина.
Вторая лекция посвящена «романтике» драматургии Марины Цветаевой, а также праве театра на сотворчество, соавторство.
Планируется, что зрители-слушатели станут соучастниками размышления на эту тему. А поможет им в этом просмотр видео с прочтением цветаевской поэзии очень разноплановыми актрисами: Аллой Демидовой, Маргаритой Тереховой, Алисы Фрейндлих, Чулпан Хоматовой.
В финале запланирован показ отрывка из мюзикла «Казанова» Карлиса Лациса по мотивам пьесы Марины Цветаевой «Приключение». Постановка и либретто Алексея Франдетти.
Третья лекция посвящена творчеству поэтов войны. Истории появления их поэзии на театральной сцене, благодаря спектаклю Юрия Любимова “Павшие и живые”.
Помимо воспоминания об этом спектакле вечером 8 мая зрители-слушатели смогут также увидеть несколько фрагментов из современных спектаклей, посвященных теме второй мировой войны: “17 писем в небеса” Антона Оконешникова, поставленный студентами Санкт-Петербургской театральной академии, “Гекатомба. Блокадный дневник” Яны Туминой в Театре на Литейном, “Моё поколение” Романа Дробота в Электротеатре.
Четвёртая лекция попытается охватить необъятное - звучание поэтического слова Пушкина на театральной сцене. Здесь наши зрители-слушатели смогут послушать и увидеть как с текстами Пушкина на театральной сцене справлялись через своих артистов такие мастера режиссуры как Константин Станиславский, Владимир Немирович-Данченко, Роберт Уилсон, Марк Вайль.
Поэтическое слово на театральной сцене: от древних греков до наших дней.
Добрый день, друзья. Разрешите поздравить вас с Днём поэзии!
Тема нашей встречи - Поэтическое слово на театральной сцене: от древних греков до наших дней.
Но мне не хотелось бы вводить вас в заблуждение: конечно же, за один астрономический час мы с вами не охватим что-то около 3 тысячелетий жизни искусства нашей цивилизации.
Мы остановимся очень коротко лишь на 4 этапах, имеющих самое непосредственное отношение к вопросу, который для современного театра в нашем с вами настоящем как это ни странно всё ещё актуален: имеет ли право театр, а конкретнее режиссёр и актёр на интерпретацию и изменение поэтического текста?
Сразу должна сказать, что у меня есть мой собственный ответ на этот вопрос. И ответ этот абсолютно категоричен. Но так как я всё чаще встречаю людей, которые отвечают на него иначе, и мне приходится мириться с тем, что и они мои современники, то глупо было бы игнорировать иное мнение, не попытавшись в нём разобраться и вновь попытаться отстоять своё.
Знаете, я много лет работала в одном замечательном, даже легендарном театре. Так как он часть моей и не только моей биографии этот театр я буду его упоминать, уж простите мне такую вольность. Сразу скажу - это не один из хабаровских театров.
Так вот, работая в ташкентском театре Ильхом, при котором была своя Школа-студия, я и ещё один наш артист и преподаватель сценической речи в этой Школе, однажды стали свидетелями разговора одного молодого преподавателя и артиста театра со студентом. Молодой преподаватель очень эмоционально и страстно внушал своему студенту мысль о том, что он должен досконально знать своего героя. В какой социальной среде он вырос. Всю его биографию, и биографии всех его родных. Знать имена бабушек и дедушек, братьев и сестёр. Иди! И чтоб завтра ты всё это знал! - напутствовал молодой педагог своего студента.
Артист и преподаватель по сцен.речи, сидевший со мной рядом так задумчиво произнёс: ну, социальная среда ладно… Но вот я, например, понятия не имею кто дядя и тётя моих персонажей.
На что молодой преподаватель запальчиво ответил: вот и плохо! Ты не знаешь, а он пусть знает!
Тем же вечером шёл спектакль “Квартал Тортилья-Флэт”, в котором были заняты оба преподавателя Школы.
Преподаватель, распекавший студента, играл роль Дэнни, а преподаватель по сцен.речи роль его друга Пабло. Они оба бездомные, живущие на улицах Монтерея. И вот одна из первых сцен: Дэнни получает известие о том, что умер его дед и он получил наследство - целый дом. От нахлынувших чувств, Дэнни приглашает своего друга жить с ним. Сцена заканчивается. Дэнни должен уходить, но тут вдруг Пабло говорит: Дэнни, у меня к тебе есть один вопрос.
Какой?
А как звали твоего деда?
Как впоследствии вспоминал артист, его прошиб холодный пот. Он лихорадочно пытался вспомнить хотя бы одно мексиканское имя, но в голове была только каша. После долгой паузы он наконец смог выдавить из себя: Ху… Хулио! И помолчав спросил: а что?
Да ничего - простодушно сказал ему Пабло - я просто думаю в кого ты такой добрый?..
К чему я поведала сейчас об этом случае? К тому, что несмотря на то что невозможно объять необъятное даже за пару астрономических часов, но на основных этапах - мой взгляд основных этапах, - чтобы знать кто же дяди и тёти нынешних театральных постановок по поэтическим текстам, мы с попробуем остановиться и поговорить.
О, кей.
Мы сейчас с вами отправимся в Древнюю Грецию.
Представим огромный амфитеатр, арену, артистов-протагонистов в расписных ярких одеяниях, взгроможденных на 40- сантиметровые котурны, как минимум, так как их размер постоянно возрастал. И в эпоху Рима они стали напоминать ходули.
Представим гипертрофированные маски на актёрах, многочисленный хор.
Ну и вспомним о том, что герои трагедий Еврипида, Софокола, Эсхила, и даже комедий Аристофана - чаще всего кто? Правильно - боги, полубоги, цари и герои.
Кстати, о богах
Каким мы представляем себе греческий Олимп? Скорее всего наше представление будет связано с двумя цветами - белым и красным. А Древняя Греция с белым и голубым: белый мрамор, голубой небо и синее море…
Не так ли?
Белые мраморные стАтуи Эрмитажа или Петергофа - глянцевые открытки, знакомые с детства… Быть может только у Зевса мы можем представить себе красный плащ.
Но это неправда, то есть ложь. Маленькая невольная, созданная неумолимым временем ложь. Да, и время умеет лгать.
Эта ложь достаточно крепко повлияло на умы, на восприятие того, как это было когда-то. А значит… - должно быть неизменным!
Но уже в конце XIX века известный немецкий археолог Георг Трой попытался представить себе, как выглядела "в оригинале" голова древнеримской богини. Остатки краски, обнаруженной на ней, дали ему возможность предположить, что она была раскрашена. Но за много веков краски выцвели, были смыты подземными водами.
А это говорит нам о том, что и древнегреческая театральная сцена была достаточно живописной не только благодаря расписным декорациям и маскам, в которых художники пытались выразить гипертрофированную мимику.
(Показ слайдов)
Давайте посмотрим несколько фотографий. Здесь фото традиционного древнегреческого театра и фото с выставки, которая проходит сейчас в Германии, во Франкфурте: "Разноцветные боги: золотая коллекция". Там представлена реконструкция, благодаря которой можно увидеть, как могли выглядеть античные скульптуры на самом деле.
Лучник с острова Эгина
Археолог Винсент Бринкман смог полностью воссоздать раскраску одежды мраморной фигуры лучника с острова Эгина. Она была изготовлена примерно в 480 году до н. э.
Надгробная статуя Кора Фрасиклеи
"Кора" на древнегреческом означала "девушку". Эта скульптура - надгробие гречанки Фрасиклеи, которая умерла молодой где-то 2600 лет назад. Фигуры кор в ту эпоху были полихромными. Цвет подчеркивал реалистичность изображения и играл декоративную роль. Для окраски использовались, в частности, природные пигменты, свинцовая фольга, сусальное золото.
Цветная реконструкция Куроса
Курос - типичный образец античной скульптуры обнаженного юноши-атлета в полный рост. Такие фигуры ставили в храмах и на гробницах. Существуют сотни подобных скульптур, которые сохранились до наших дней.
Девушка из Геркуланума
Древнеримский город Геркуланум, как и легендарные Помпеи, был погребен под пеплом и лавой во время извержения Везувия в 79 году н.э. Эта статуя, датируемая примерно 100 г. до н.э., изображает молодую женщину в типичном для той эпохи одеянии.
Три варианта Музы
Еще один исследовательский проект был посвящен статуе Музы. Уж и не знаю какая именно из 9 муз здесь представлена. Но Талия ли это - муза поэзии, или Мельпомена - муза театра для нас сейчас не столь важно. Археологи нашли на мраморе этой и других муз множество следов раскраски, но не всегда их можно интерпретировать однозначно. Поэтому для выставки во франкфуртском "Доме Либига" были сделаны три реконструкции, три варианта, показывающие, как могла выглядеть эта мраморная статуя.
Бронзовые воины
На выставке во Франкфурте представлены не только мраморные, но и бронзовые статуи. Эти были отлиты в Древней Греции примерно в 440 году до н.э. Для получения "оригинального" цвета их искусственно патинировали. Ведь под воздействием времени и окружающей среды бронза становится сначала зеленой, а потом чернеет. Для экспозиции цвет, так сказать, восстановили.
То есть как минимум ту же гамму цветов можно было увидеть и в одеяниях персонажей древнегреческих трагедий.
Согласитесь, всё это выглядит торжественно и возвышенно.
Необходимо учитывать, что сценические обстоятельства тогда сами собой диктовали и манеру, и правила поведения артиста и хора на сцене. Движение на котурнах никогда не будет естественным человеческим шагом.
Акустика арены так же подталкивала к неестественной подаче речи. Тем более артист находился в маске, а это диктовала форсирование звука.
Мы помним так же, что в те времена режиссурой зачастую занимались сами авторы - поэты-драматурги. И если для большинства из них в первую очередь важно было показать красоту стиха, песен и своей интерпретации той или иной истории.
Мой сегодняшний герой - драматург Еврипид, не пользовался большой популярностью у своих современников и соотечественников. Поскольку придерживался нетрадиционных для того времени взглядов на взаимоотношения драматурга и публики. Он ей никогда не потакал и считал это зазорным для себя. Не публика должна меня учить, а я публику - говорил софист и философ Еврипид. Для него, как для автора, важным было донесение смысла произведения, которое появлялось в конкретном временном контексте.
Возможно поэтому его многочисленные произведения очень редко награждались публикой и профессионалами на конкурсах, в отличие от произведений того же Софокла, или иных авторов, имена которых для нас совершенно утеряны. Над его произведениями издевался Аристофан… При жизни он всего 4 раза получил первое место в конкурсе драматургов. Пятый раз случился после его смерти. Несколько раз получал третье место. А написано им было немало - более 90 произведений. И все в стихах.
Еврипид принёс в театральное пространство того времени новое направление, которое не нравилось поколению, воспитанному на старых обычаях.
Но он, не взирая на нерасположение публики, упорно продолжал идти своим путем, и почти всегда прямо и лично противоречил своему зрителю, если публика выражала неудовольствие какой-нибудь его смелой мыслью, или нравственным смыслом.
Однажды при представлении «Беллерофонта» весь народ, услышав, как человеконенавистник Беллерофонт восхваляет деньги выше всего на свете, в гневе поднялся с мест и хотел прогнать со сцены актеров и прекратить представление, Еврипид явился на сцену и потребовал, чтобы зрители дождались конца пьесы и посмотрели, что ожидает поклонника денег.
А в другой раз, при исполнении трагедии «Иксион» её герой - злодей, возвёл несправедливость в принцип! И дерзкою софистикой разрушил все понятия о добродетели и о долге!
Поэтому эта трагедия подверглась освистанию и порицанию как безбожная и безнравственная.
Поэт возражал, и только тогда снял свою драму с репертуара, когда его к этому принудили.
То есть, собственно говоря, древним грекам даже не потребовался тогда законам, охраняющий чувства верующих.
А теперь галопом, минуя столетия и страны, перенесёмся в эпоху Шекспира.
Сейчас для нас не столько важно кто прав - те, кто говорят, что это был один настоящий поэт-драматург, или те, кто склонен считать, что за этим именем может скрываться целый сонм разных поэтов. По некоторым исследованиям аж до 80 человек. Для нас важно то, что почти каждое его произведение написано не только мастерскИ с точки зрения поэзии, но и «на злобу дня». И если бы это было не так, современная ему публика не воспринимала бы его трагедии и комедии столь остро.
Общеизвестно, что Шекспир СОВСЕМ не трепетно относился к тому, что было написано до него. Большая часть его пьес написана на чужие сюжеты, которые он, не задумываясь превращал в свои произведения. У него нет практически ни одного оригинального сюжета.
Но! Несмотря на то, что за многими его персонажами стоят конкретные исторические личности, всё же тип их мыслей, манеры, были легко узнаваемы именно в контексте того времени, когда их написал Шекспир. Он намеренно придавал им черты конкретных людей: тех, кого знал лондонский люд. Но дело даже не в узнавании отдельных персонажей. Они были написаны современным английским и даже лондонским языком того времени.
У Мандельштама в статье «Художественный театр и слово» есть замечательная формула: «В слове скрыта режиссура». В шекспировском слове эта режиссура скрыта (или открыта) самым очевидным образом. Шекспир всегда писал сразу спектакли, а не пьесы, он создает, выписывает мизансцены как режиссёр.
В его времена драматургия ещё не существовала как литература для чтения. она таковой только становилась. Его тексты написаны не для потомков, не для литературы.
Они написаны для здесь и сейчас - сиюминутных надобностей театра. Под конкретных актёров - вплоть до телосложения, для конкретной конфигурации театра Глобус, где сцена врезается достаточно глубоко в зал, и публика располагалась для актёра словно в трёхмерном пространстве. Это был театр без занавеса, с тремя сценами: главной, верхней и внутренней. Именно внутренняя была за занавеской.
Для современной ему публики Шекспир был остросовременным автором с современными тому зрителю ассоциациями и аллюзиями.
Так возможно ли полная реконструкция трагедий Еврипида или Шекспира в наше время? Время людей с иным опытом и ритмом мышления?
******
Попытки вполне научных реконструкций спектаклей предпринимались в начале прошлого века.
На заре двадцатого века Николай Николаевич Евреинов создал ряд театров, среди них несколько сезонов просуществовал Старинный театр. В нем он пытался со всей доскональностью реконструировать средневековые спектакли, спектакли испанского Возрождения.
Как некий театроведческий эксперимент это было, безусловно, интересно, но как факт истории живого театра - это начинание потерпело фиаско.
Предпринимаются такие попытки и теперь - в конце февраля уже этого года, например, МХАТ имени Горького предпринял попытку реконструкции спектакля «Три сестры», которую в 1940 году поставил Немирович-Данченко.
Я, к сожалению, или счастью спектакль не видела, но мои коллеги, которым я более чем склонна доверять, дали свою оценку этому… явлению.
Если коротко и своими словами, то оно похоже на попытку вдохнуть жизнь в труп. Театр зомби, наверно, тоже может представлять ценность, но за Немировича-Данченко, согласитесь, несколько обидно.
Почему же подобные попытки ждёт заведомый провал? Потому что есть такой элемент театрального действа, который невозможно реконструировать, - это зритель. Невозможно засунуть в головы современников мозги людей семнадцатого века.
Потому что они все равно смотрят своими глазами, у них свой круг ассоциаций, и именно поэтому точная реконструкция спектакля невозможна. Да, в чём-то люди не меняются с ДО древнегреческих времен. И всё же любая игра с исконно-посконное отчего-то всегда выглядит как плохая игра: как пародия. особенно, когда это пытаются делать абсолютно серьезно - с полной верой и самоотдачей в предлагаемые обстоятельства.
Как завещал Константин Сергеевич Станиславский.
Нет. Реконструкции невозможны. Ещё и потому, что мы, как правило, не знаем ТЕХ ассоциаций и аллюзий. Они не соотносятся с нашими, не вызывают в нас немедленную реакцию на подкорке, если хотите - в подсознании.
Более того, у нас совсем иной ритм и стиль говорения. Да, мы знаем Шекспира в переводах. НО! И переводы имеют тенденцию устаревать. К сожалению, в России, в отличие от Европы, не принято осуществлять переводы Шекспира или иных классических авторов чуть ли не каждое десятилетие.
Что касается русской поэтической классики, так у нас теперь и язык иной. А не только ритм и стиль. Наш язык изменился настолько, что порой нам нужен переводчик с Пушкина, не говоря уж о Державине, или даже Есенине.
Нам в школе говорили: "Пушкин - создатель современного русского языка", но попробуйте без растолковывающих сносок прочесть, например, его стихотворение «Пророк», где через строфу появляется слово, которое требует перевода на современный русский язык. Да и в Евгении Онегине или пушкинской прозе, не говоря уж о сказках, таких слов множество.
Чуть позже, в наш с вами пушкинский день, мы с вами ещё вернемся именно к стихотворению Пророк, поэтому сейчас я упомянула именно его в надежде, что вы восстановите его в своей памяти к нашей следующей лекции с показом того, как его читают артисты разных поколений.
*******
Часть 2 (продолжение : https://x-oksana.livejournal.com/467461.html)
Click to view